2022瀨戶內海國際藝術祭ー直島
這次旅行的第一站，來到了瀨戶內海國際藝術祭的起始點-直島。
瀨戶內海國際藝術祭（Setouchi Triennale）是以瀨戶內海島嶼群為舞台所舉辦之當代藝術國際藝術節。自2010年開始每三年舉辦一次，在後疫情時代下的2022瀨戶內海國際藝術祭，因日本剛開放國界，所以參加人數也只有將近2019年的一半而已。不只是參觀人數，新作品也比往年還要少，但是短短幾天的跳島旅行，依然欣賞不完多數的作品。
這次的藝術祭，官方人員的徹底落實量體溫與消毒，讓疫情期間的藝術祭絲毫沒有被影響。看展的順暢以及作品的介紹，都讓我覺得官方的規劃很完善，是個很棒的體驗。
直島
直島作為瀨戶內海國際藝術祭的開端，扮演著非常重要的角色。英國《Traveller》雜誌更將直島列為全球必訪的七大景點之一。
據說直島的名字來源，源自於被流放的崇德天皇。他在短暫居留於直島的時候，感覺到這裡的島民個性純樸「直」率，便命名此地為「直島」。
瀨戶內藝術祭的起源
講到瀨戶內海藝術祭的起源，就不得不提一位重要的人物：福武總一郎。
福武總一郎為了完成父親的遺願，1898年時，在直島開設了直島國際露營場。這段時間，福武總一郎發現直島受到現代工業化發展的影響，污染化變得嚴重，使之變得更加沒落。於是決定要利用「現代藝術」去扭轉這一切。
將父親留下來的福武書店改名為「倍樂生」，將拉丁語中的bene（美好的）和esse（生活）組成為「Benesse」，希望能以「人」為主體，讓生活變得更美好。除此之外還創立了支持這項計畫的公益財團法人－福武財團，在計劃初期不仰賴政府的金錢支援，而是讓自己的公司成為財團的最大投資人，積極的投入於自己的直島計畫。
「直島精神（Naoshima method），指的是透過藝術來進行溝通，活化地方。這是我們給藝術的全新定義。」福武總一郎曾經這樣說過。
1992年時，福武總一郎在直島建立了倍樂生之家，接著陸續邀請藝術家創造了「家計畫」、「地中美術館」、「犬島精煉所美術館」⋯⋯等。再之後，邀請了長年於越後妻大地藝術祭擔任藝術總監的北川富朗，負責連結日本國內外資源，引進優秀藝術家和作品，將自己的直島計畫提升到下一個層次，這就是瀨戶內海藝術祭的由來。
各國的藝術家來到瀨戶內海的島嶼上創作，與當地居民交流並且留下作品，在觀賞者來欣賞時，當地的老年人也能好好介紹這些作品。當自己的能力能夠很好的發揮出來，並且能幫助社會時，老年人們也會因為有價值感而自然地露出笑容。這也是為什麼這一屆的主視覺是幾位當地老年人自信的面對鏡頭，這是福武總一郎對這片土地一直以來的冀望。
以下按照我的參觀順序來介紹這次我欣賞的直島作品。
作品No. na02 海之站「直島」
海の駅「なおしま」
其實直島在宮浦港旁的建築就是一個作品。這是一個用薄型的鐵板屋頂及細細的棒子支撐而成的一層樓建築，開放的空間設計感，給人一種時髦的感覺。海之站旁就是公車等候區，直島有幾輛公車都被畫上了代表性的南瓜與斑點，看起來可愛的賞心悅目。
而這個建築裡包含著觀光介紹所、船票購買處、咖啡店與特產販賣店，特產販賣店賣著各式各樣的瀨戶內特產，商品豐富到可以在裡面逛很久，但請記得注意當天的營業時間喔！
作品No. na01 草間彌生的紅色南瓜、黃色南瓜
赤かぼちゃ、黄かぼちゃ
想到直島，大家首先在腦中浮現的常常是草間彌生的斑點南瓜。
其實在瀨戶內海國際藝術祭開催之前，草間彌生的南瓜就已經存在於直島了！南瓜創作於1994年的「Open Air ’94 “Out of Bounds” ―海景中的現代美術展―」藝術計畫。這項藝術計畫的開啟，其原因為倍樂生之家(Benesse house)博物館在1992年開放之後，陸續收藏了許多作品，但隨著常設展作品的充實，企劃展的舉行就變得難以實施，所以倍樂生決定讓藝術品走到戶外，讓大家把作品設置於直島各處。
呼應著此展覽的標題，草間彌生將海景當作是作品的一部分，完美地將紅色與黃色的斑點南瓜與大海美景融合。紅色南瓜位於面對宮浦港的左側，而黃色的南瓜位於杜鵑花莊（つつじ荘）的附近，從宮浦港搭公車過去，車程不到15分鐘就能夠抵達。
紅色南瓜有點扁平，可以從照片中看到，紅色南瓜的有些黑點是洞，內部整個挖空，就像是公園遊樂設施一樣，讓大家可以在洞裡鑽進鑽出的拍照跟玩耍，晚上南瓜則是會打燈，有著不同的氛圍與感覺。
草間彌生曾經賦予這個紅色南瓜一個可愛的故事：「太陽的紅光為了尋找宇宙的盡頭而來到這裡，就這樣在直島的海中變身成為了紅色南瓜。」，充滿玩味，真的好可愛！
黃色南瓜的樣子就長得不太一樣了，斑點順著南瓜的紋路點綴下來，沒有挖洞讓人可以與之互動，只見大家排著長長的隊伍等著與他拍照，人氣到不行！黃色南瓜曾經在2021年8月時因為颱風被吹到海裡，經過一年的修復，終於在2022年10月時又重新與大家見面了！而這次更加強了南瓜的穩固感，讓他不會再輕易被吹走囉。
作品No. na24-B 杉本博司藝廊 時的迴廊
杉本博司ギャラリー 時の回廊
杉本博司藝廊開設於2022年的3月，現在只要有事前預約美術館，就算不是倍樂生園區的住宿者，也能夠欣賞杉本博司的作品，所以這次特地來朝聖了。預約杉本博司藝廊後，除了入場卷，還會附上一張呈茶卷，能夠在杉本博司作品的包圍下，邊欣賞「聞鳥居」，邊享受日式茶點與日式茶飲。
與其他倍樂生園區的建築一樣，杉本博司藝廊的建築部分也是由安藤忠雄所設計的，清水模建築，半自然的環境，使整個美術館與作品會因為「時間的變化」而展現不同的感覺。而杉本博司在作品上對於「時間」的探討與追求，以及他們「長年」活動於直島，創作了各式各樣作品的關係，這些與時間的關鍵詞疊加起來，就是時之迴廊的名字由來。
照片上可以看到在藝廊之中，許多地方的採光設計，讓作品的呈現展現了更多層次。
藝廊中收藏了這次還有展示家計劃中《護王神社》的模型，延伸到地下室的階梯與窗外可以看到大海都有仿真出來。
而在整間藝廊中我最喜歡的就是這個由會議室改建而成的茶室。除了牆上掛著許多杉本博司的作品之外，照片中可以看到的這三張桌子，下方的木頭其實也是杉本博司的作品，分別是「三種の神樹－神代杉」、「三種の神樹－屋久杉」和「三種の神樹－栃の樹」，而窗外是2021年移至園區內的玻璃茶室「聞鳥居」。
拿著呈茶卷就可以進去選擇一份茶點套餐，和菓子會隨著季節變化，而茶飲的部分可以選擇煎茶或者是抹茶，煎茶與抹茶會配合著茶的特性，使用不同的茶器裝盛，不得不說在「栃の樹」上享用這精緻的茶點，看著玻璃窗外的聞鳥庵，真的是個享受。
玻璃的茶室 聞鳥庵
硝子の茶室 聞鳥庵
聞鳥庵曾經在威尼斯、凡爾賽宮的離宮，以及京都的「京セラ美術館」的戶外展示過。而自2021年3月開始，聞鳥庵便保存於直島倍樂生園區中開放給住宿者們觀看。2022年3月，隨著杉本博司藝廊的開設，現在只要買票進去，都有機會可以欣賞到聞鳥庵！
講到茶室，就不得不提到一位代表性人物「千利休」。千利休在戰國時代曾經作為茶頭侍奉過許多上位者：如松永久秀、織田信長與豐臣秀吉，並在當時被日本人譽為天下第一茶聖。在千利休的時代以前，並沒有所謂的茶室，奉茶就只是單純的在接客室為客人添加茶水，而千利休將喝茶的地方與本屋分離出來，創造出茶室，並將茶之道發揚光大至藝術的境界。
現在位於京都的《待庵》，便是千利休打造的茶室之一。杉本博司提到，聞鳥庵有一定程度的參考了千利休的《待庵》，以及皮特·蒙德里安的幾何圖。將傳承幾百年的日本茶之道精神，與現代藝術美學結合，創造出屬於這個時代獨一無二的茶室。
這次會選擇來杉本博司的藝廊，有很大一部分的原因是因為想要來看聞鳥庵。
佇立在水中的玻璃方塊，在玻璃內的空間彷彿就像是另一個世界，看著看著真的會開始想像在裡面品茶的感覺。雖然沒辦法進去玻璃茶室，但是能夠邊欣賞著聞鳥庵，邊在藝廊中享用著日本茶與和菓子，也已經足夠了。
作品No. na25-B Benesse House Museum- Valley Gallery
ベネッセハウス ミュージアム ヴァレーギャラリー
Valley Gallery位於倍樂生區域，也是2022年新開設的藝廊。建築是安藤忠雄參考了「祠」所設計的半開放空間，而建築物內外大量的鏡面球是則是草間彌生的作品「納西瑟斯之庭（ナルシスの庭）」。
「納西瑟斯之庭（ナルシスの庭）」曾經在1966年的威尼斯雙年展中展出，這些大量的金屬球能夠反射出四周的自然以及觀賞者。當觀者與大自然映照在球面上，彷彿融為了「一體」。而取名為納西瑟斯之庭，是不是取自於希臘神話納西瑟斯的故事呢？傳說納西瑟斯愛上反射於水面中的自己，就像是這些球體反射出觀者們一樣。
而庭園放置的許多佛像，則是小澤剛在2006年所創作的《Slag Buddha 88 (スラグブッダ 88)》。其原料來自於豐島的產業廢棄物，在豐島的文章記事中有稍微提到豐島以前的廢棄物權利爭取事件，當時豐島的廢棄物多被運送至直島的廢棄物處理廠，在處理後拿去做其他運用。在得知這些佛像是利用這些廢棄物做成的時候，忍不住覺得有些被觸動，因為當時這個事件對豐島人來說具有特別的意義，特地使用這些廢棄物來創作，不僅僅是廢物的回收再利用，更提醒著人們這件事的存在與我們必須學習到的事情。
佛像的四周鋪滿了豐島石，據說可以拿著這裡的豐島石，到池的另一遍疊放石頭。Valley Gallery的藝術總監－三木あき子曾經說過：「能藉由這樣的儀式感，讓人們從這些堆疊的石頭中再次感受到原始的自然信仰、物品製作的原型抑或是自然循環。」。
不只是Slag Buddha 88，納西瑟斯之庭中的金屬球也是使用廢棄物製作而成的。在這個安藤忠雄所設計的半開放自然空間中，將「與自然共存」為主題的作品們集結在一起，都是希望藉由這些作品，再次喚起大家對於原始自然的敬意。
作品No. na20-B 李禹煥美術館
李禹煥美術館
這座美術館是由安藤忠雄所設計，裡面擺放的是來自韓國李禹煥大師的作品。美術館的室內是不能拍照的，但戶外的部分可以，照片裡乍看之下隨意擺放的石頭也是李禹煥的作品之一。
李禹煥的風格，為日本1960末期至1970中期流行的「物體派」，講求的是回歸物體的本質，常常使用石頭、木頭、紙或是棉作為媒介進行創作。李禹煥美術館中許多作品就是利用石頭作為作品意象的表達。除了這些物體之外，室內也掛著許多用鮮豔顏料繪製的抽象畫作。
我不太曉得該怎麼形容李禹煥的作品，他的作品不是技巧上的「好」與「不好」，或是「有沒有創意」可以形容的。與其說他是用作品去表達自己的想法甚至是技巧，不如說他是用作品去展現他的意念跟感受。你不會覺得他的作品有著什麼高深的「技巧」，但就是非常有感覺，甚至讓當時的我感到震撼。
但回歸理性想，他的作品明明有大量的余白，還有看似隨意擺放的石頭，簡單的線條，為什麼反而讓人覺得很有力量呢？真的是很不可思議。他的作品充滿了力道與抽象細語，而余白使空間變的靜謐，使人不禁回歸於「物體派」的初衷，想到那些最原始的事物本質，還有自己。
在李禹煥美術館裡獲得的震撼，使它成為了我在直島裡最喜歡的美術館。
作品No. na21-B 地中美術館
由安藤忠雄設計，作為直島代表性美術館的地中美術館，裡面收藏了許多大師級藝術家的作品。像是以操作光線聞名的James Turrell、崇尚極簡主義，大地藝術創始人之一Walter De Maria，以及印象派大師莫內的作品都收藏在其中。
而地中美術館是需要另外預約的，預約網站可以參考倍樂生的網站。
莫內的作品 Oscar-Claude Monet
莫內為印象派的代表性藝術家，記得以前美術課的時候，老師介紹過印象派以及莫內。繼寫實派之後崛起的印象派，看似抽象，但其實是感覺到寫實派對於真實性的追求有所不足而產生的新學派。也就是說，傳統寫實派幾乎都在室內，用固定光源進行創作，但真正現實中的光源是不穩定並且會隨著時間變化的，所以印象派多走出室內，把陽光、光影的變化也一併畫於作品中。
也因此，莫內常常從不同角度與時間描繪同一個景物，為的就是捕捉那些變化的光線。記得當初美術老師用投影片給我們看莫內描繪的好幾張「盧昂大教堂」系列畫作，明明是同個場景，卻因為光線產生不同的色彩與感受，讓我至今難以忘記。
而莫內在地中美術館展出的「睡蓮系列」，也是他的印象派作品中最經典代表作之一。五個作品座落在地中美術館中，被好好的保護著。據說因為白內障手術，莫內能夠看到一般人無法捕捉到的光線，使得對於睡蓮的色彩運用不同於他人，增添了鮮豔卻又依然讓人感到和諧，能在此看到莫內的畫作，真的很感動。
- 「睡蓮の池」2枚組、1915年〜1926年製作
- 「睡蓮」1914年〜1917年製作
- 「睡蓮の池」1917年〜1919年製作
- 「睡蓮－柳の反映」1916年〜1919年製作
- 「睡蓮－草の茂み」1914年〜1917年製作
沃爾特·德·瑪利亞的作品 Walter De Maria
Walter De Maria似乎可以算是大地藝術的先驅者之一，所謂的大地藝術，就是運用土地、石頭、水或是其他自然材料重塑景觀空間。加上極簡主義的關係，可以看到Walter De Maria的作品常常會充滿大量的余白。
照片中，一個黑色的花崗石巨大圓球佇立在殿堂的正中心，旁邊有著27個鑲著金箔的木雕以三個為一組的方式排列在周圍，自然光從屋頂灑進地下殿堂，照射在中心的黑色圓球上，讓裡面的氛圍充滿了莊嚴感，這就是Walter De Maria在地中美術館的作品「Time/Timeless/No Time」。
詹姆斯·特瑞爾的作品 James Turrell
James Turrell在地中美術館中有三個作品，在此的每一個作品都是利用光線作為媒材，創造出有趣的作品。
最令人印象深刻的作品是，在一個房間中，可以看到階梯上有個青色的長方形色塊，隨著工作人員的引導才發現，這其實是一個向內凹的空間，James Turrell利用光線製造錯覺，讓我們遠遠看的時候沒辦法察覺到他會是一個空間。而進去的時候感覺也是很不可思議，因為光的錯覺，在裡面真的會失去遠近感。
還有一個作品是一個挖空的屋頂，讓我們可以眺望天空與雲彩，當時還沒有去豐島美術館，但其實這個作品跟豐島美術館有點異曲同工之妙，將戶外景觀當作作品的一部分，因此作品會隨著時間的光線以及天氣而產生變化，傍晚日落時的參觀需要額外報名，雖然沒有機會參觀，但似乎也是很受歡迎的一個行程。
作品No. na04 直島浮游島
直島パヴィリオン
直島町總共由27座島組合而成，而這座直島浮游島便是第28座島。
其作品理念是取自浮島現象，所謂的浮島現象其實就是海市蜃樓的一種。當海面與氣溫產生較大的溫差時，遠方的島、船或是建築物會看起來彷彿像是漂浮起來一樣，這是瀨戶內海冬季時偶而會發生的現象。
這種海市蜃樓現象，在日文裡又被稱作「下部海市蜃樓」，亦即海平面下方的部分因折射光產生出的海市蜃樓。可以看到漂浮島偏下方的地方有著像是海平面的線條，就是在模仿浮島現象的模樣。
直島浮游島裡面可以進去，很多人都排著隊輪流等著要拍照。夕陽的餘暉照撫著，使作品有著與白天不同的氛圍，跟草間彌生的南瓜一樣，晚上會打燈，所以不用擔心晚上就沒辦法欣賞囉！
作品No. na05-B 直島銭湯「Ｉ♥湯」
這個作品是大竹伸朗創作，可以實際使用的裝置藝術。「I♥︎湯」在2009年，第一屆藝術祭之前便已經存在於直島，到現在依然受到世界各地觀光客的喜愛，這次晚上經過錢湯的時候，有許多人等著要進去泡澡。
除了「I♥︎湯」之外，直島的家計劃「はいしゃ」≪舌上夢／ボッコン覗≫、豊島的「針工廠」與女木島的「女根／めこん」都是大竹伸朗的作品。他也是從瀨戶內藝術祭開催以前，就在直島上活動了。
其實當時很難把針工廠與「I♥︎湯」聯想在一起，因為風格迥異，很不一樣。相較於針工廠的簡單，「I♥︎湯」從外觀看起來，非常的色彩繽紛。他由各種彩色的磁磚拼湊而成，不同顏色的燈泡閃呀閃的，給人一種非日常的感覺。
後來在網路上看到澡堂的室內照片，發現裡面的用色也是很鮮豔，甚至還有一隻大象模型被放在室內，充滿了趣味。難怪經過這麼多年，「I♥︎湯」依然受到大家的喜愛。
結語
直島作為倍樂生直島計畫的起始島，充斥著多個由安藤忠雄設計的美術館，和許多大師級人物的作品。四散在島嶼各處的藝術品，以及時髦的店面，完全想像不到他曾經沒落的樣子。相較於其他瀨戶內海的島嶼，直島給我的感覺就是一個非常時髦的觀光地。
福武總一郎與北川富朗合作之後，直島計畫的風格也慢慢的轉變，從高價的藝術鑑賞、建立更多的美術館，至後來讓島嶼作品更偏向於強烈地與當地文化做結合。藝術不再是高高在上，只有有錢人可以欣賞的消遣，而是讓任何人都能共襄盛舉的一個媒介，這樣的意識蛻變，讓當初的直島計畫甚至擴大到整個瀨戶內海，孕育了這個三年一次的藝術盛宴。
瀨戶內海藝術祭不只是單純的藝術鑑賞，裡面更包含了許多人對這片土地的期許與冀望。為此我真的很敬佩福武總一郎，當他將自己的夢想付諸於現實的時候，同樣理念的人會跟著被吸引，甚至會影響到周圍的人一起來實現理想，因為這儼然已經變成了大家的夢想。
相信這樣的念想，就如同那些在創作者逝去卻依然存在於世的藝術品一樣，在未來的100年，甚至是200年之後也會一代人傳承著一代人，繼續存在下去吧！